10 Parasta Australialaista Valokuvaajaa Sinun Pitäisi Tietää

Valokuvaus on suosittu taiteellinen tietoväline Australiassa, jossa ei ole lainkaan aiheita, upeasta luonnonmaisemasta monikulttuuriseen väestöön. Nykytaiteilijat käyttävät kameraa kuvaamaan jokapäiväistä elämää ja sen muutoksia sekä muuttuvia luonnollisia ja sosiaalisia maisemia. Perinteisen median perinteisimmistä käyttötavoista sen rajojen ja rajoitusten testaamiseen sekä lajityyppien ylittämiseen näillä 10-valokuvaajilla on tällä hetkellä paras mahdollinen työskentely.

Justine Khamara

Justine Khamara (s. 1971) tutkii ja haastaa valokuvausvälineen rajat, tulkitsee uudelleen valokuvausmuotokuvaa ja kyseenalaistaa nykyisiä käsityksiä olemisesta. Hänen kolmiulotteisten veistos- ja kollaasityöstensä avulla manipuloidaan todellisuutta, joka kytkeytyy itsesääntelyn käsitteisiin välittömän, loputtomasti generatiivisen (uudelleen) tuotantoteknologian aikakaudella. Hänen työelämässään käytetään ohuita viipaleita valokuvia ja kuvia yksittäisestä kohteesta, joka on otettu useista eri kulmista. Erysicthonin pallo (2010) innoitti kreikkalaisen myytin, Thessalian kuningas Erysicthon, kyseenalaistamaan nykyisten yhteiskuntien turhamaisuuden, joka on ilmeinen laajalle levinneessä, itsestään absorboituneessa toiminnassa ottamaan useita kuvia itsestään ja lähettämällä ne erilaisten sosiaalisten medioiden kautta. hallita henkilökohtaista edustusta ja jatkaa turhamaisuuden ilmiöitä. Monissa teoksissaan Khamara käyttää kuvia itsestään ja hänen perheestään tai ystävistään, minkä ansiosta hän voi työskennellä läheisesti hänen muotokuva-aiheittensa kanssa. Watch me liukuu näiden ohuiden arkkien läpi (2011), kangasarkki, joka on painettu itseään ja äitiään kuvaavilla kuvilla, yhdistetään peiliin ja kiinnittää huomiota mahdollisuuksiin, joita ihmiset kokevat itsensä moninaisuuksina.

Bill Henson

Bill Henson (b. 1955) käyttää tiettyä päivämäärää - hämärä - maisemien ja nuorten nuorten kuvaamiseen, joka luo eräänlaisen "modernin mytologian". Hämärän valaistusolosuhteet ja alivalotuksen ja painatuksen säätötekniikat antavat Hensonille varjo- ja valokarkosfäärin kontrastit, jotka muistuttavat flaamilaisten mestareiden maalauksia. Hänen elämänsä ilahduttaa yliluonnon ja yliluonnollisten tapahtumien ilmapiiri, jossa tutkitaan kaksinaisuuden toistuvaa teemaa. Hänen aiheensa kuvataan pimeässä ja heikossa valossa, ei koskaan katselemassa suoraan linssiin, osittain piilotettu luomaan mysteerin ja bacchanalian olemassaolon aura. Hensonin taidokkaasti lavastetut taulukot jatkavat 19in perinnettä^th luvulla Romanttinen kirjallisuus ja taiteet ja käsite, jossa Luonnon suuruus herättää ristiriitaisia ​​hämmästyksen, kauhun ja kunnioituksen tuntemuksia. Henson kuljettaa katsojan rinnan ulottuvuuteen, joka piiloutuu pimeyden paksujen verhojen takana ja rikkaasti varautuu viittauksiin menneisyyteen. Taiteilija maisemat ovat vahvoja muistoja ja hänen kiinnostuksensa kaapata heidät sisään memento mori kuvia, joilla on valta kuljettaa katsojan ajattomaksi maailmaksi.

Tracey Moffatt

Elokuvantekijä, videotaiteilija ja valokuvaaja Tracey Moffatt (b. 1960) luo ajatuksia herättäviä teoksia, jotka tutkivat esimerkiksi rodun, lapsuuden trauman ja median kaltaisia ​​asioita sekä aboriginaalisen alistumisen, äidinmaidon, sukupuolistereotypioiden ja luokkakohdan. 1980: ssä tuotettuja töitä ovat mm Jotkut Lads (1986), sarja mustavalkoisia valokuvia, joita hän näytti värivalokuvan rinnalla Elokuvan tähti (1985). Sisään Pettyneitä unia (1989), Moffatt esitti runsaan, pirstoutuneen kerronnan viittomilla kuvilla väkivallasta, glamourista ja pettyneistä unelmista. Hänen kiinnostuksensa valta-asioista on ilmeistä Särkynyt elämästä (1994), joukko litografioita, jotka yhdistävät valokuvia ja tekstiä, jäljittelevät vanhojen, haalistuneiden elämä lehden sivut. Sarja kuvaa lapsuutta ja murrosta ajankohtina, jotka ovat täynnä väkivaltaa, laiminlyöntiä ja psykologisia häiriöitä. 1998: ssä Moffatt kokeilee uuden median luomista laudanum, sarja photogravures- tai valokuvamateriaaleja - jotka keskittyivät naisen ja hänen alkuperäisen palvelijan väliseen suhteeseen. Hänen viimeaikainen työstään 2013-ohjelmassa QAGOMA-ohjelmassa on viisi uutta valokuvasarjaa ja elokuvaa, jossa tutkitaan hengellisyyttä, muistomerkkiä maisemassa ja yliluonnollisessa ympäristössä sekä tarjoavat meditaatiota maan ja kulttuurin merkityksestä. paikka henkilökohtaisen ja universaalin historian kautta.

Patrick Pound

Patrick Poundin (b. 1962) käytännön keskellä on kiinnostusta keräilyn käsitteistä ja arkistosta, jonka avulla hän voi luoda jonkinlaisen "ihmiskulttuurin kartoituksen". Kun katsot maailmaa, joka vastaa sitä palapeliin, taiteilija yrittää yhdistää kappaleensa kerrallaan keräämällä, kategorisoimalla ja luokittelemalla löydetyt valokuvat ja ephemera. Punnan käytännössä pyritään saavuttamaan ymmärrettävää ymmärrystä ääretöntä kokoelmaa käyttäen. Hänen kollaasejaan ja löydettyjen kuvien kokoelmia ja hylättyjä esineitä ei ole satunnaisia, vaan ne toimivat kuten sanakirjojen määritelmät tai kuten koottu ja rakennettu todiste. Pound "määrittelee" abstraktit käsitteet, jotka on otettu kiinni elokuvasta, mutta unohdetaan yhteisten havainnoitsijoiden toteuttamat muotokuvat aineettomasta. Esimerkiksi tuulen muotokuva (2013) käsittää suuren joukon löydettyjä ihmisten muotokuvia, "jotka sattui olemaan tuulessa", kun taas Crime Scene-sarjassa (2013) on valokuvia, joiden kohteet näyttävät olevan kuolleita - totuudessa , suurin osa heistä nukkui. Valokuvaajan varjo on sarja valokuvia, joissa valokuvaajan varjo kuvataan elokuvassa, kun taas Puuttuvat Pound on poistanut henkilöitä postikortilta ja valokuvista Photoshopilla.

Liu Xiaoxian

Alun perin Kiinasta Liu Xiaoxian (s. 1963, Peking) muutti Australiaan 1990: ssä Tiananmenin tapahtuman jälkeen. Hänen kiinalainen taustansa ja hänen elämänkokemuksensa "hyväksytyksi" australiaksi on tärkeä rooli hänen taiteellisessa käytännöstään, jossa tutkitaan eroja sekä samanlaisia ​​yhteyksiä itään ja länteen kulttuurin, perinteen, politiikan, uskonnon, identiteetin ja sukupuolen kanssa . Valokuvauksen ja veistoksen kautta Liu analysoi ikivanhoja tai kulttuurisesti merkittäviä länsimaisia ​​ja itäisiä symboleja siirtokokemuksen ilmentyksi ja liittää heidät hänen työhönsä. Hänen monumentaalinen diptippi Meidän jumalamme (2000), New South Walesin taidegalleriassa, kokoaa yhteen edustajia kärsivästä Kristuksesta ja naurettavasta Buddhasta. Enemmän kuin vain sijoitettu vierekkäin, kaksi muotokuvaa koostuvat 22,500-pienoiskuvien, toistuvien kuvien, kuten pikseleiden, moninaisuuden ja digitaalisen manipuloinnin avulla. Aiemmassa työssä, Muut elämäni (1999), Liu käytti valokuvia hänen laajasta vintage-perhe-albumistaan. Taiteilija asetti digitaalisesti hänen kasvonsa stereograafisiin kuvioihin vuosisadan vaihteen aatteista perheistä. Liu pyrkii antamaan näkyvyyden aasialaisten identiteettien usein sivuutetulle historialle australialaisen kulttuurin rakentamisessa sekä käsittelemään syrjäytymisen, muuttoliikkeen ja identiteetin käsityksiä.

Pat Brassington

Kuvaamisessa ja digitaalisessa mediassa työskentelevä Pat Brassington (b. 1942) tuo vaikutteita surrealismista, joka paljastuu epätavalliseen ja provokatiiviseen vaikutukseen, joka on epäselvyyttä tulkinnassa. Hänen työnsä avautuu kuviin, jotka muokkaavat Rorschachin testiä, joka avautuu sisäisten psykologisten tilojen loputtomiin mahdollisuuksiin, jotka liittyvät sukupuoleen, muistiin ja identiteettiin. Brassingtonin haaveilevat kuvat yhdistävät analogisen ja digitaalisen, menneen ja nykyisen, mikä luo epäselviä, ajoittain abstrakteja (sur) todellisuutta. Hänen varhaisessa työssäan hän käytti mustavalkoista elokuvaa ottamaan vastaan ​​runoja, pimeitä kuvia alastulosta lähellä oviaukkoja ja muita töitä. Vuonna 1990s, Brassington kääntyi pois perinteisempää mediaa ja alkoi omaksua digitaalinen manipulointi. Kyky hajottaa, dekonstruoida ja rakentaa kuvia luovutti tien rajaton mielikuvitukselleen ja antoi hänelle jatkaa pitkäaikaista kiinnostustaan ​​todellisuuden ja fantasian väliseen tilaan. Taiteilija käyttää löytyneitä valokuvia tai olemassa olevia omasta kokoelmastaan ​​yhdistämällä ne 'vieraisiin elementteihin'. Häiritsevät kuvat hermostuneista suusta, kuten Forget Your Perfect (2008), ristisillä reiteillä ja sukupuolielinten kaltaisilla elementeillä - kuten hänen sarjassaan Äitini House (1994) - ovat vain muutamia niistä lukuisista, jotka hän on tuottanut.

Peta Clancy

Peta Clancy (b. 1970) tutkii ihmisen kehon ohimenevyyttä, ajallisuutta, muuttuvuutta ja ruumiillisia ja subjektiivisia rajoja. Hänen valokuvauskäytäntönsä syrjäyttää kaksiulotteiset rajoitteet valokuvan laajennetun kentän omaksumiseksi, kuten esimerkiksi lävistys-, rypytys-, rypytys- ja upotuspalkit sekä tuottaa asennuskappaleita, kuten Tämä iho olen sisään (2002) - kuviin, jotka on painettu kangaspyyhkeisiin. Ihon, kuolevuuden ja ikääntymisen huolenaiheena Hänen sarjansa kantaa sitä kuin hänen ihollaan olevan kartan (2005-2006) koostuu kuvista naisen silmistä ja huulista, jotka on puhjennut hienolla hopeisella neulalla, pitsiä muistuttavan vaikutuksen aikaansaamiseksi . Clancy sanoo, että "iholla ei ole juuria, se kuoriuu helposti paperina" (PDF download) ja "ihon pinnat ja valokuva ovat keskeisiä" hänen työstään. Ihmisen haavoittuvuuden ja haavoittuvuuden toteutuminen ja sen nopea muutos ovat toisen sarjan ydin, paperinohut (2007), jossa paperi edustaa myös ihmisen ihoa - taiteilija ei vain läikytä sitä vaan ryntää sitä, ikään kuin edustaa rypistynyttä ihoa. Odotetaan pölyn ratkaisemista (2000-2005) kertoo ajan kulumisen ja jokapäiväisen elämämme pienet jäännökset, joiden kohteet jättävät jäljet ​​ja varjot, kun ne poistetaan paikasta. Pölyn ja kuolleen ihon pidentämät osat viittaavat kuolevuuteen ja "pölystä, josta keho tulee ja johon se palaa.

Trent Parke

Magnum-valokuvaaja Trent Parke (b. 1971) inspiroi jokapäiväisestä elämästään ja toimii ensisijaisesti katukuvauksessa. 2003: ssä Parke matkusti melkein 90,000 km ympäri Australiaa vaimonsa ja valokuvaajaineen Narelle Aution kanssa. Tuloksena oli Minutes to Midnight, kokoelma kuvia, jotka tarjoavat häikäilemättömiä muotokuvia kahdenkymmenen ensimmäisen vuosisadan Australiasta, kuivuneesta outbackista kaukaisiin elämään Aboriginal-kaupungeissa. 2007: ssä Parke lähti sisämatkaan, tutustumaan omaan elämäänsä ja menneisyyteen - kuten hän sanoo - "kaivamaan omaa historiaa". Seitsemän vuoden ajan hän työskenteli The Black Rose Diaries -tapahtumassa, joka on esillä Etelä-Australian taidegalleriassa 2015issa. Sarja alkoi Parke heijastui yöksi, kun ikä 12 hän todisti äitinsä kuoleman astma hyökkäys. Siitä lähtien taiteilija sulki pois kaikki lapsuuden muistot, kunnes hän vastasi kysymyksiin ja alkoi luoda ympärilleen työtä. Valokuvista, kirjeistä ja teksteistä koostuva sarja ei kerro ainoastaan ​​Parken elämästä menneisyydestä ja nykyisestä vaan myös yleisistä kysymyksistä olemassaolomme suhteen. Hänen päivittäisistä kokemuksistaan ​​ja elämänsä pohdinnoista johtuen työ on meditaatio elämän matkoista ja siitä, miten nykyinen, menneisyys ja tulevaisuus liittyvät toisiinsa.

Petrina Hicks

Petrina Hicks (b. 1972) hyödyntää kaupallisen valokuvauksen viihdyttävää ja kiiltävää kieltä - ammattitaitoa - harjoittaa kauneuden ja täydellisyyden kysymyksiä ja tutkii myös valokuvauksen kykyä luoda ja korruptoitunut kulutuksen ja viettelyn prosessit. Hänen kuvilleen on näennäisesti virheetön aihe, jotka ovat vierekkäin "ulkomaalaisia", häikäilemättömiä elementtejä, jotka häiritsevät katsojia - viittaavat kauneuden ja epätäydellisyyden väliseen jännitykseen. Shenae ja Jade (2005) nuorella mallilla on päänsä suukappaleen takana - epätodennäköinen, epäsovinnainen yhdistelmä, joka heittää perfektionistisen muodin muotokuvan tasapainosta. Hicks tutkii usein naisidentiteettiä, viittaa mytologiaan ja taiteen historiaan ja yhdistää heidät nykykulttuurikulttuuriin. Tämä on ilmeistä Hippy ja Snake (2011), sarja, joka koostuu videosta ja suurikokoisista valokuvista, jotka viipyivät viitoittain Evea ja käärmeä uudestaan ​​kuvitellusta Garden of Edeniin. Sisään Venus ja Venuksen syntymähän viittaa mielellään mytologiseen jumaluuteen ja muuhun naispuoliseen symboliikkaan, samalla kun hän myös korostaa nykypäivän feminismin ja seksuaalisen miehen katseen. (PDF download) Muut teokset viittaavat symbioottiseen suhteeseen ihmisen ja eläimen välillä, kuten lampaanvillaa or Rosemary's Baby (2008).

Sonia maksaa

Kuvaaja ja uusi mediateatteri Sonia Payes (b. 1956) on viime vuosina kääntynyt kohti surrealistista luomalla haaveillut, monikerroksiset kuvat, joissa elementtejä käännetään, peitetään ja jätetään näkymättömiin. Hänen valokuvauskäytäntönsä ja uusien multimediaanimaatioidensa ja kolmiulotteisten installaatioidensa kautta Payes tutkii ympäristöhaittojen, apokalypsin ja tulevaisuuden uudistamisen teemoja. Taiteilija kiinnitti huomiota hänen 60 - australialaisia ​​taiteilijoita koskevissa valokuvaus esseissään UNTITLED. Australian taiteilijoiden muotokuvia, julkaisija Macmillan julkaisussa 2007. 2012: ssä Payes ryhtyi residenssiin Australian China Art Foundationin kanssa Pekingin maaseudulla, joka huipentui Interzone sarjassa, joka on esillä Fehily Contemporaryissa 2013issa. Pekingin aikanaan Payes oli upotettu Kiinan nopean kaupunkikehityksen ankaraan ympäristöön, ja viljelyalaa korvattiin nopeasti louhoksilla ja sementillä. Taiteilija oli todistaja merkittävistä muutoksista paitsi maisemassa ja ympäristössä, myös ihmissuhteissa. Hänen sarjansa kautta Payes tarjosi sosiaalisen kommentaarin sekä heijastui ihmisten ja ympäristön välisiin suhteisiin, joita Kiinan laaja teollistuminen aiheutti. "Uudelleen sukupolvi" (2014) selvitti Payesin käytäntöä erilaisten teosten, kuten maajohtoisten ja Ice Warriors- esitellään "oppaina" ihmiskunnan ohjaamiseksi pyrkimyksissämme löytää uusia ratkaisuja ympäristöömme heikentymiseen. Muut sarjat havainnollistavat ja pohtivat ihmiskunnan kestävyyttä ja sen kykyä loputtomasti muuttua ja sopeutua maan muuttuviin ympäristöihin.